RETOCANDO PROFESIONALMENTE

FOTO RETOCADA

Hoy quiero mostrarles como retocar una fotografía como lo hacíamos antes en el tradicional sistema análogo, cuando usábamos la ampliadora para hacer nuestras fotografías e íbamos haciendo selecciones de reserva y quemado en diferentes áreas de la imagen para conseguir una fotografía equilibrada tanto en sus luces como en las sombras.

La fotografía que voy a usar la tome recién hace unos días, es del interior de la Iglesia de La Merced en Antigua Guatemala.

Cómo podrán darse cuenta la foto no es mala al salir de la cámara, pero teniendo un ojo ya disciplinado para analizar luz y sombra, sentía que le hacía falta algo y me puse a trabajar en ella, he aquí los pasos:

FOTO ORIGINAL

1. Como siempre recomiendo: hacer una copia del fondo, por cualquier cosa, si me equivoco o deseo hacer algo más, siempre tengo mi original.

2. En el Menu Imagen – aplicar imagen – modo de fusión softligth. Yo use este para aclarar un poco la imagen, por default abre el cuadro de dialogo en Multiply, pero se oscurece demasiado.

3. Copio esta capa que acabo de obtener y le aplico un Gaussian Blur de unos 15 y el modo de fusión screen, con lo cual aclaro aún más la toma.

4. Aplico una nueva capa, esta vez de curvas, donde le doy el contraste necesario a mi imagen, esto es al gusto y al ojo del fotógrafo, a mí, en lo personal me gustan las imágenes cálidas y contrastadas.

5. Aquí es donde voy a trabajar como si estuviera haciéndolo de manera manual en una ampliadora. Para empezar abro una nueva capa y la voy a llamar APANTALLADO al abrirse el cuadro de dialogo selecciono la opción soft ligth 50% gris y le doy Ok. Después me voy a la herramienta Brush y selecciono el diámetro que crea conveniente dependiendo de las áreas que quiera aclarar u oscurecer, pongo la opacidad en un 20% para que sea un trazo que me permita ir haciendo varias pinceladas, selecciono el modo softnes para la dureza del brush y empiezo a pintar no sin antes haber verificado en la casilla de colores de la barra de herramientas los recuadros de color negro y blanco que vienen por default:

Con negro oscurezco y con blanco aclaro, estamos. Ahora solo pinto en las áreas que deseo aclarar u oscurecer, pueden ver como el recuadro gris se va manchando con las pinceladas que doy.

6. La última capa: Mi marca personal y listo.

7. Guardo mi trabajo en formato PSD, para tener todas las capas disponibles por si se me ocurre algo nuevo.

8. Si ustedes están seguros de la imagen final se van al menú capas y seleccionan la opción Flatten Image o acoplar imagen y listo, a guardar en formato JPEG.

9. Aquí se nos abre un cuadro de dialogo donde nos indica la calidad con la que deseamos guardar nuestra copia, yo recomiendo, por cuestión de espacio, que seleccionemos la calidad máxima (10) nos da hasta 12, pero el archivo crece en tamaño. Pueden ver en el recuadro que esta foto a la hora de guardarse en calidad 10 pesa un total de 1.5 mb. Si se hubiera guardado en calidad 12 pudo haber pesado cerca de los 7 u 8 mb, ocupando más espacio de disco duro.

Como podrán darse cuenta tenemos una foto diferente digna de ser ampliada y expuesta .

LA MEDICION

Cuando hablamos de medición en fotografía (tanto digital como analógica), nos referimos a la acción de medir la cantidad de luz de una escena para determinar los mejores valores de abertura de diafragma y velocidad de obturación con los que podemos obtener una exposición adecuada. Saber elegir el sistema de medición más adecuado y como leer los datos que este nos suministra no solo nos permitirá hacer mejores fotos, sino también, ser capaces de predecir con mayor exactitud el resultado final de la toma.

Existen dos posturas a la hora de enfrentarnos al tema de la medición: Mediante la luz incidente o la reflejada.

Para la primera se utilizan unos exposímetros que se colocan sobre la zona a fotografiar y que basan sus valores en la luz que recibe la escena directamente.

La segunda alternativa, la de la luz reflejada, es de la que quiero hablar más detenidamente ya que es la que incorporan por default todas las cámaras sin que necesitemos hacer ningún desembolso adicional de dinero. Esta se basa en la luz que recibe directamente la cámara tras rebotar en la escena y tiene sus ventajas e inconvenientes.

Entre las ventajas el que es el sistema más sencillo y convencional, así como que tiene en cuenta una serie de factores que pueden influir en el resultado final (la presencia de determinados filtros sobre el objetivo, por ejemplo).

Entre los inconvenientes destaca principalmente uno: si estamos fotografiando una escena donde se refleje una cantidad anormal de luz (un paisaje nevado, un objeto oscuro…) la medición será errónea, por lo que tendremos que ser nosotros los que compensemos ese error mediante la experiencia.

Tipos de Medición:

He hablado de cómo es la luz que recibe el exposímetro, pero ahora veremos como este procesa de una forma u otra esa luz para hacer sus cálculos. Pese a existir otros, las cámaras actuales suelen incorporar los siguientes tipos:

Medición Evaluativa/Matricial.

La cámara descompone la imagen en varias zonas, midiendo individualmente cada una de ellas y evaluando su conjunto mediante un algoritmo que suele variar de una marca a otra. Este sistema de medición es el que mejores resultados obtiene en la mayoría de situaciones, aunque tenemos que tener cuidado con escenas como las mencionadas anteriormente en los que no se refleja el 18% de la luz (el valor con el que están calibradas las cámaras).

Medición Promediada Ponderada al Centro.

La medición da prioridad a la zona central y a continuación, realiza un promedio del resto de la escena. Es el método típico para retratos y suele utilizarse por defecto en la mayor parte de cámaras digitales.

Medición Puntual/Parcial.

La medición se realiza únicamente sobre una pequeña zona central del encuadre, obviando el resto de la imagen. Se suele emplear en macrofotografía cuando existen grandes diferencias de contraste entre el sujeto principal y el fondo. El mayor inconveniente que tiene es que al discriminar la mayor parte de la imagen para realizar la medición, esta puede ser fácilmente errónea si no apuntamos al lugar correcto. Por cierto, existe una diferencia entre Puntual y Parcial, y es que la primera cubre aproximadamente el 3% y la segunda el 9%.

Consideraciones a Recordar

La medición matricial suele funcionar perfectamente en el 95% de los casos, y por eso es la más recomendable de forma general. Sin embargo, para ese 5% restante, voy a facilitarles algunos truquillos que puede les resulten útiles:

La Regla de Oro.

La mejor herramienta de la que disponemos a hora de lograr exposiciones correctas no es el exposímetro sino nuestra experiencia. Será esta la que nos ayude a interpretar los valores proporcionados por el exposímetro y así saber si debemos fiarnos de ellos, o compensarlos de un modo u otro.

Los casos de manual.

En todo manual de fotografía que se precie siempre aparece el mismo ejemplo (y que yo mismo ya he indicado) y la misma solución (lo que tiene su lógica ;): si nos encontramos ante una escena tipo paisaje nevado (o una novia y su vestido) con un resplandeciente blanco que predomine, tendremos que sobreexponer la toma abriendo un punto el diafragma (seleccionando un número "f" más pequeño o aumentando el tiempo de exposición en modo manual).

Por otro lado, si lo que predomina es justamente lo contrario (un bonito caballo negro, por ejemplo), entonces subexpondremos la misma cerrando un punto el diafragma (seleccionando un número "f" más grande o disminuyendo el tiempo de exposición en modo manual).

Escenas con un fuerte contraste.

En determinadas ocasiones nos encontraremos con que la luz que recibe una zona de la imagen es muy diferente respecto a la del resto, como por ejemplo un objeto a la sombra en un soleado día de verano. En este caso tenemos dos opciones: realizar la medición utilizando el sistema Ponderado al Centro o el Puntual sobre la zona que más nos interese (el objeto a la sombra bien expuesto pero el cielo quemado, o un cielo precioso y una sombra oscurísima en la que casi no se ve lo que hay); o hacer la media entre los dos valores (los de la zona clara y la oscura) y obtener así una imagen más compensada. Todo depende de lo que queramos lograr, y de lo acusada que sea la diferencia entre las zonas oscuras y las claras.

El Bracketing.

Esta técnica es bastante habitual entre los profesionales, y consiste en realizar una misma foto varias veces con diferentes exposiciones. Por eso también podría llamarse la técnica de “curarse en salud”, ya que al realizar una primera fotografía fiándonos del exposímetro, una segunda abriendo medio o un punto el diafragma, y una última cerrándolo en la misma medida, tenemos más posibilidades de dar con la toma perfecta.

El Bracketing Digital.

A la práctica comentada en el punto anterior se puede añadir otra que nos ha brindado el formato RAW. Realizamos la fotografía algo subexpuesta para luego procesarla con nuestro software preferido y obtener tantas fotos como queramos con diferentes niveles de exposición. Posteriormente las mezclaremos todas en una sola mediante un programa de retoque tipo Adobe Photoshop.

FOTOGRAFIA PANORAMICA

PANORAMICA DEL TEMPLO DE LA RECOLECCION, ANTIGUA GUATEMALA

Hoy quiero escribir este artículo para aquellas personas que en algún momento han deseado hacer este tipo de fotografía y se han encontrado con algunos inconvenientes para poder hacerlo.

El solo hecho de poder colgar en una pared una imagen que sea más larga que ancha causa ya un efecto impresionante, visualmente cautiva a la primer mirada.

Para esta técnica hay que tomar fotos secuenciales en un giro de por lo menos unos 180 grados y que todas las fotografías tengan la misma exposición, es decir, si tiro la primera a 125 seg. por "f" 5,6, el resto deben de ser iguales para que cuando las una en el programa de edición fotográfica no haya problemas con algunas áreas más claras o más oscuras que otras.

Les explico como hago las mías:

Lo primero que debo de hacer es acompañarme de un buen tripode, mejor si pesa, eso me garantizara que las fotos no salgan movidas.

Debo de seleccionar mi distancia focal para poder ir de manera lógica superponiendo una encima de otra sin que se alteren demasiado las líneas de convergencia, en especial si es arquitectura.

Para ello basta con seleccionar la distancia normal, o sea 50 mm. y empezar a tomar las fotografías de una en una tomando en consideración que debe de incluir un área de exceso a cada lado de una de ellas que ya he tomado en la anterior.

Estas las tome con el 28 mm. porque hice solamente tres fotos

Aqui es importante que estemos atentos a nuestro exposimetro y ver en cada una de las fotografías la medición que nos indica; una forma bastanter sencilla de hacerlo es seleccionar en la cámara el modo manual, en el se selecciona la abertura y la velocidad y se mantendrán constantes a la hora de que haga todas las tomas.

Una vez que tengo tomadas todas las fotografías tengo que tener la paciencia de llegar a casa y sentarme frente a mi computadora y abrir mi programa de edición fotográfica, para mi, en este caso: Photoshsop CS3, lo mejor que existe, aunque alguién diga lo contrario.

Me voy al Menú File - Automate - Photomerge y se me abre un cuadro de dialogo donde debo buscar la ubicación de mis fotografías, seguido las selecciono y he aqui la maravilla del Photoshop, el empieza a hacer sus cálculos, arregla histogramas, luces y sombras y en cuestion de segundos nos presenta varios layers: Uno con cada foto y la parte que se tomo de ella para hacer la unión, seguido a ello, solo tenemos que acoplar la imagen en una sola y tomar la herramienta recortar para quitar los excesos que hayan quedado en la parte de arriba y abajo y listo: Tenemos una fotografía panorámica.

Si eres demasiado exigente, como yo, verás que hay algunas líneas verticales que quedaron torcidas, efecto de la convergencia del lente, para ello solo tenemos que darle doble click a la capa que nos quedo como fondo y se convierte en layer, nos vamos al menú Edit - Trasnform - Skew y nos aparecen unas puntas de flecha como cursores, en ellas debemos de situar nuestro cursor e ir tirando para afuera hasta el punto que sea creible el tratamiento de las líneas, si nos exageramos, haremos una imagen que no es totalmente real, le damos doble click y ya esta: a Guardar como JPEG en la resolución que deseamos.

Te animo a que hagas el intento la próxima vez que vayas a hacer fotografías. Toma secuencias a lo ancho de tu campo de visión y después las unes, tendrás unas fotografías de impacto y diferentes.

SENSIBILIDAD ISO: QUE ES Y COMO ES QUE FUNCIONA

La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía.

Este concepto, que originalmente viene arrastrado de la fotografía analoga (de rollo) , se mantiene en la fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes.

En este articulo te explico sus fundamentos.

Las películas fotográficas están formadas por haluros de plata, millones de cristales transparentes sensibles a la luz, agrupados. Una gelatina actuaba como soporte impidiendo que se agrumen haciendo las veces de vehículo de esa masa lechosa. Esta gelatina, una vez seca, mantiene los haluros suspendidos formando la película propiamente dicha y permite la entrada de líquidos sin necesidad de perder ninguno de los cristales.

El tamaño de estos cristales es lo que marca la sensibilidad de la película y el grano que se aprecia al obtener las copias reveladas.

Con el paso a la fotografía digital, heredo el concepto de sensibilidad ISO, aunque el funcionamiento del sensor no tiene mucho que ver en este aspecto, y el resultado, tampoco.

ISO Digital: la relación señal-ruido

Señal es toda información significativa para construir un mensaje. Ruído es cualquier otro dato que acompañe a la señal dificultando su transmisión, almacenamiento y comprensión.

En las cámaras digitales, el sensor o CCD es el chip encargado de la captura de la imagen. Está compuesto por una malla de miles de celdas fotosensibles en las que se recibe la imagen formada por el lente.

Cada una de esas celdas genera una corriente eléctrica en presencia de la luz. Esa corriente eléctrica será luego convertida en datos numéricos que se almacenarán en forma digital binaria ( unos y ceros) en la memoria de la cámara dando origen a un píxel.

Cada una de esas celdas genera una cantidad más o menos fija de corriente eléctrica (y por lo tanto de datos) al azar, aún en ausencia de la luz y en relación a la temperatura.

La sensibilidad de cada uno de los elementos del sensor es fija, con un valor aproximado equivalente a 100 ISO. Los índices ISO superiores que nos ofrece la cámara digital se logran no por un incremento en la sensibilidad de los elementos captores, sino por una amplificación posterior de la señal que estos emiten.

Como estos elementos tienen una emisión de señal de base mas o menos fija, al capturar una señal lumínica débil y amplificarla, estamos amplificando también una buena porción de la emisión de datos aleatoria del chip, con lo que se mezclará una cantidad de señal aleatoria sin contenido a la señal correspondiente a la imagen.

Conclusiones

La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente.

El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.

El ruido se manifiesta más en alguno canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición para reducir el ruido mediante una aplicación de filtros

REGLAS DE COMPOSICION

Las Reglas de Composición Fotográfica Fundamentales

¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablamos continuamente al evaluar una foto, que son las "reglas de composición".

Dependiendo de con quién hablemos, nos darán unas reglas u otras.

En esta nota quiero repasar algunas de las más relevantes a modo de resumen.

Centro de Interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.




Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.

Rellenar el Encuadre

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que
conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quítalo.

Líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

Flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

Dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerrar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

Repetición

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.
Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

Colores

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra foto.

Grupos de Tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.
Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

Regla de los Tercios

Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, les cuento que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una cuadricula para trabajar con los tercios, por lo que les animo a que reviséis el manual de vuestra cámara si consideráis que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

Espacio Negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentado más arriba en este mismo artículo.

Frente/Fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.



Enmarcado

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.
Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...etc.

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

Curvas en S

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad.

También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada.
En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en S en nuestras fotografías.

Una carretera, un camino, el curso de un río,... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Resumen

En este artículo he querido compartir algunos de los elementos compositivos fundamentales de la fotografía. Algunos son relativamente fáciles de aplicar, mientras que para otros dependemos de ciertas condiciones del entorno. Lo importante es conocerlos y recordarlos a la hora de hacer fotos, porque con su observación y su recuerdo empezaremos a encontrarlos cada vez con más facilidad en nuestras prácticas de fotografía. Aplicalos a tus fotografías y verás como mejora tu trabajo.

ME HE QUEDADO SOLO

Hoy les quiero mostrar como salvar una foto del cesto de basura.

Creo que a todos nos ha tocado en más de una vez ver fotos que creemos que su unico destino es la papelera, pues bien, quiero decirles que con un poco de creatividad y conocimiento del Photoshop podemos hacer que sea una fotografía diferente y atractiva.

1- Siempre visualizo mis imagenes desde el Adobe Bridge para ver los detalles de información de la foto y me doy una idea de que es lo que quiero hacer después.

2- Le doy doble click a la imagen y automaticamente abre la imagen en Photoshop.

3- Duplico mi capa (Control + J)

4- Menú Imagen - Ajustes -Filtro Fotografia - Filtro azul 25 a 30% y Ok.

5- Abro los niveles y busco las mejores luces y sombras.

6- Menú Imagen - Aplicar Imagen - Modo Fusión Screen - Ok

7- Duplico esta nueva capa y le aplico un Gaussian Blur, entre 6 y 10 esta bien, le doy Ok

8- A esta nueva capa ligeramente desenfocada y clara le aplico el modo de fusión Multiply y el resultado es el que observais en la foto retocada.

Hemos rescatado una fotografía que aparece sin vida y vacia por una imagen que genera comentarios favorables, esta la he llamado ME HE QUEDADO SOLO y podeis verla en mi Galeria Personal en Arte Y Fotografia.

DUOTONO

Siempre he sido un admirador eterno de la belleza de la mujer y soy de los afortunados que puedo trabajar en lo que considero mi Hobby: LA FOTOGRAFIA DE MODELOS.

En la foto que muestro, Anneliese, mi modelo, no reunimos en las antiguas instalaciones de Ferrocarriles de Guatemala con la idea de hacer un fashion diferente. Anneliese es diseñadora de Modas y todo lo que modelo era de su inspiración.

Logramos una tomas estupendas, entre la belleza de la modelo y los hierros oxidados de lo que otrora fuera el medio de transporte utilizado por nuestros abuelos.

Siempre hay inquietudes y una de ellas era experimentar con un toque de antiguedad o retro en el fondo, o sean los vagones y conservar a la modelo cuan joven y bella es en color.

Para ello me voy a mi laboratorio digital: Photoshop, hay otros editores de imagénes buenos, pero este es el más poderoso que conozco hasta el momento.

QUE HICE.

1- Hago una copia de mi fondo, siempre acostumbrense a hacerlo.

2-Luego selecciono una mascara rapida (abajo barra de Herramientas) con la que voy a reservar mi imagen, en este caso: mi modelo.

3- Con un Brush suave, puede ser entre 100 y 200 voy pintando por todo el contorno e interior de la modelo, aqui se nota porque la modelo va tomando una tonalidad rojiza al ir pintando sobre ella. El selector de color, los cuadritos blanco y negro que aparecen abajo de la barra de herramientas, debe de estar en color negro como Foreground o primer plano, si nos equivocamos o salimos del contorno solo hacemos clic en el color blanco y procedemos a retocar por donde nos excedimos. Una vez terminada la selección salimos de la mascara rapida dandole un clic al recuadro y seleccionamos en el Menu Selección - Inverse , con ello hemos preparado nuestro fondo.

4- Nos vamos al Menú Image - Ajustes - Hue/Desaturation y buscamos el tono sepia que deseamos, no sin antes haber seleccionado el recuadro que dice color.

5- Aqui tenemos ya una foto con el fondo sepia y el personaje principal en color.

6- Los ajustes de Luminosidad los consigo a traves de las curvas, esto es al gusto del fotógrafo.

Como podrán darse cuenta, son alternativas creativas para que el trabajo salga de lo común.

Les animo a intentarlo, hay me cuentan que les sale.

MI ETERNA E INSEPARABLE AMIGA

No se que extraño efecto causa verla, a algunos nos hace sentir melancólicos, a otros apasionados. Quien más de alguna vez no a alzado sus ojos al cielo oscuro y de repente ve algo maravilloso, ese astro que ilumina hasta la más profunda de nuestras oscuridades.

Esta toma la realice con una camara Samsung PRO 815, lente Schneidder 28 -420 mm. y multiplicado por 2x. ISO 50. + 2 de compensación de la exposición y lo que quizá más pueda sorprenderles: Tomada a mano con un 125 de velocidad, "f" 4 y enfoque manual al infinito.

El post proceso lo hice en Photoshop CS3 para darle la tonalidad Fucsia a la foto en general.

INTERESANTE

WALLPAPER ALEJANDRA

Les muestro una opcion especial para hacer una composición gráfica interesante.

Como podeis ver he usado tres fotografias de Alejandra.

1- El fondo son sus bellos ojos en una toma macro y bajando el nivel de opacidad de la capa, seleccione el Modo de Fusión Screen, para que sea eso solamente: El fondo.

2- La imagen principal me llevo un promedio de 2 horas de retoque, ya que era demasiado oscura en el fondo, por lo que hice varias fusiones de capas hasta que el fondo me quedo blanco. Aqui es donde nos armamos de paciencia en el Photoshop y vamos probando cada uno de los Modos de Fusión.

3- Seguido inserte la fotografia de Alejandra con la gorra, aqui simplemente maneje una mascara de capa y le aplique un degradado de negro a blanco que me permitiera verla a ella difuminada sobre los ojos y a la par de la otra fotografia: La Principal.

4- Los recursos graficos como el negativo y los bordes los cree especialmente como Brushes para aplicarlos en la fotografia, esa es otra historia de la que hablare después.

5- En los recursos gráficos me voy al Menú Imagen - Desaturar Imagen - acciono el recuadro color y a jugar también con los tonos.

6- Por ultimo solo tenemos que fusionar las capas y listo, si lo que quieren es eso; yo normalmente guardo una copia en Formato JPEG a alta resolución y guardo mi archivo PSD por si de repente se me ocurre un cambio de Tipografia, color o algo que se le ocurra mi modelo.

Esta foto hizo suspirar a Alejandra, quien quedo feliz y satisfecha con la creación.

ALEJANDRA

RETOQUE DIGITAL

ORIGINAL

Quiero compartir algunos pasos sencillos para hacer de un retrato convencional una fotografia de alto impacto.

La fotografias que muestro son de Alejandra, una de mis modelos favoritas.

PASOS PARA EL RETOQUE:

1- Selecciono desde el Adobe Bridge CS3 la toma y le doy doble clic. automaticamente se abre el Photoshop.

2- Lo primero que hago es sacar una copia del original para poder hacer todas las correciones que considere necesarias en la fotografia, asi, si me equivoco en algun paso, tengo mi original intacto.

3- Una de las heramientas maravillosas que he encontrado en Photoshop se localiza en el Menu Imagen - Aplicar imagen, esto lo que hace es que nos permite visualizar los distintos modos de fusion de la capa y en el seleccionamos el que mas se adecua a nuestra toma: Por default lo abre en el modo Multiply, pero podemos cambiar de modo y el grado de opacidad que deseemos. Yo lo cambio a Screen para poder ver mas detalles suaves de la toma.

4- Al tener realizado este paso lo que hago es copiar esta capa y aplicarle un Gaussian Blur, puede ser de unos 10 a 15 P, más se desvirtua mucho la toma.

5- A esta capa que le he aplicado el Gaussian Blur la pongo en el modo Overlay y se crea un contraste intenso suavizado, con el halo que ha creado el desenfoque, a veces se queman un poco las altas luces, pero eso es cuestion de gustos.

6- Recurro a las curvas para aclarar u oscurecer algo que crea necesario y listo. Tengo una foto diferente y de impacto. Nota el cambio.

7- Solo me queda guardar mi documento, para lo cual lo hago de dos maneras:

Lo guardo como un JPEG a resolución media para que no me ocupe mucho espacio y si deseo hacer una corrección posterior lo guardo en formato PSD para poder tener todos los layers (capas) disponibles.

Los resultados pueden irse variando, lo importante es que estes a gusto con el trabajo que has hecho y más importante aún: Que a tu cliente le guste, eso se concreta en más trabajo y recomendaciones.