MI NUEVA E INSEPARABLE AMIGA

LA CANON 40D

Desde hacía algún tiempo me rondaba la idea de hacerme de esta espectácular máquina firmada por Canon, hoy que la tengo en mis manos quiero anticiparles a mis amigos y lectores de este espacio que verán los articulos editados sobre los diferentes temas que aborde con las imagénes de esta preciosa máquina.

Para mencionar solamente algunas de sus características:

• Sensor CMOS de 10.1 megapixeles
• Live View
• Cuerpo de aleación de magnesio
• El sistema de medición matricial sobre 35 zonas
• Nueve puntos de enfoque en cruz
• El modo de “Prioridad tonos altas luces”
• 6.5 cuadros por segundo
• Limpieza automática del sensor

Cabe mencionar que sigo siendole fiel a mi querida SAMSUMG PRO 815, sólo que es momento de que le de un tiempo de reposo, se lo merece, todas las fotografías de este Blog han sido hechas con ella, sigue siendo una máquina poderosa y muy apreciada que hoy comparte conmigo la idea de unas merecidas vacaciones.

Y para muestra un botón, las primeras fotos hechas con la Canon 40D, les prometo que habrá de que platicar pronto.

Hasta pronto

USANDO EL FLASH DE RELLENO EN EXTERIORES

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN , MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA Y DISPARE EL FLASH DE RELLENO EN +1.

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN, MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA.

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN, MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA.

Uno de los problemas más grandes que tienen los fotógrafos, sean digitales o convencionales, es la iluminación.

La iluminación a contraluz (que viene de detrás del sujeto en vez de detrás del fotógrafo) puede destruir una toma. La cámara no nota las sutiles diferencias de tono que el ojo humano detecta.

Si le tomas una foto a una fuente de luz, la cámara registrara los objetos como si estuvieran a oscuras, así estés a plena luz del día. De la misma manera que una persona tiende a guiñar los ojos cuando mira una luz demasiado fuerte, la cámara cerrará la apertura del lente y no verá más que sombras.

¿Es posible hacer algo al respecto? Después de todo, no siempre es posible regresar cuando haya cambiado la luz para tomar la foto o quizá lo que se desee sea iluminar solo de manera adecuada el primer plano y mantener el tono de la iluminación ambiente tal y como se presenta.

Si te encuentras bajo techo, es fácil controlar la iluminación.

De lo contrario existe una fácil manera de resolver este problema.

EL FLASH DE RELLENO:

La mayoría de cámaras tienen la función de flash de relleno, por medio de la cual el flash se activa cada vez que oprimas el obturador, así sea de día. De esta manera los objetos que aparecerían oscuros a contraluz reciben la luz necesaria y se ven más brillantes y con colores vivos.

Las fotos en la parte de arriba de la página demuestran cómo el uso del flash puede cambiar una imagen por completo.

En la primera foto se ve iluminada perfectamente a la modelo, aqui se trata de equilibrar la luz natural del atardecer con el destello del flash, ambas son luces diferentes, la del flash va calibrada a 5,500 Kelvin y la puesta de sol esta a 3,000 Kelvin.

Aqui es donde quiero extenderme en la explicación: Normalmente bastaria con que acccionara el flash de la cámara y listo, la modelo queda iluminada, pero el fondo se va a negro por la velocidad de obturación de la camara, normalmente se ajusta en 1/125 y ocurre eso.

En esta toma de Gabriela, era eso precisamente lo que buscabamos de la sesión, estar en el momento justo del atardecer y que ella se viera perfectamente iluminada sobre el cielo y el sol.

Lo primero que hice fue rapidamente tomar una medición de la luz del sol, apunte directo a la fuente de luz: el sol y me daba en modo Program una medición erronea, por ello me fui al modo Shuter /Velocidad y seleccione 1/1000 de segundo, la abertura me la estaba dando por default la cámara, sature el color de la escena, (como en los viejos tiempos de la película de slides) en -2 pasos y accione mi flash de relleno en + 1 y listo, eso es lo que ven en la primer foto de este post.

La segunda foto es el tipico efecto en silueta, el fecto no es malo, si se parte de que lo que se quiere es lograr la silueta, no hay nada mejor que no accionar el flash de relleno y dejar la medición como la anterior, en las dos tomas que muestro arriba lo unico que vario fue que en una accione el flash y en la otra lo apague.

La tercera foto que incluyo es la del protagonista, el señor sol,fue el el que mando en la selección de la velocidad y todos los ajustes para las tomas.

• La primera imagen es brillante y se pueden ver todos los detalles del entorno, maquillaje, atuendo y parte del prime plano que es el césped.
• La segunda foto está ella en la sombra , solo se percibe su silueta, por supuesto,el sol cayendo es el protagonista, no es mala, me encantaron las dos opciones y a Gabriela también.
• La tercera quedo perfectamente expuesto, con los detalles propios del atardecer.

ENTIENDE Y CONOCE TU CAMARA:

Algunas cámaras digitales vienen con la opción de utilizar un flash exterior. Otras sólo permiten el uso del flash interno de la cámara, que muchas veces está demasiado cerca a lente, lo cual produce una luz demasiado fuerte y de vez en cuando el enrojecimiento de las pupilas de los sujetos.

Si tu cámara permite el uso de distintos tipos de flash, o diferentes opciones para usar el flash interno, es una buena idea experimentar con distintas condiciones de luz y distintos parámetros del flash hasta que obtengas el resultado que buscas.

Estas son algunas de las circunstancias en las cuales puedes necesitar el flash:

• Afuera, cuando el sol (u otra fuente de luz) se encuentra detrás de tu sujeto

• Adentro, cuando no puedas alterar la iluminación

• Cuando desees iluminar una cierta parte del sujeto mientras el resto permanece a la sombra debido al efecto de contraluz.

• Cuando te quieras asegurar que el objeto en el primer plano está lo más iluminado posible.

• Si a tu sujeto le molesta el sol en los ojos

Espero que este post te sea util cuando estes frente a una situación igual, las fotografías que tomes te quedaran sencillamente fantásticas.

Hasta pronto.

BALANCE DE BLANCOS

QUÉ ES Y CÓMO SE USA?

El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual.

Si no tienes claro cómo funciona esta opción de tu cámara o, simplemente, nunca te has planteado su uso, lo que te voy a contar te interesa.

En este artículo te explico qué es el balance de blancos y cómo configurarlo correctamente para mejorar notablemente el resultado de tus fotos.

La luz que entra por el diafragma y se registra en el CCD (Dispositivo de carga acoplada) o CMOS (transistor complementario de óxido de metal), no es siempre la misma.

Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos de ella, que dependen de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.

En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.

Una cámara digital no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la Temperatura del color de la luz del Sol.

Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.

EL BALANCE DE BLANCOS EN LAS CAMARAS DIGITALES

La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático (AWB). Como les he explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

LOS MODOS DEL BALANCE DE BLANCOS

Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:

Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.

Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.

Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto.

Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.

Kelvin: Se puede ajustar manualmente desde 2,200 a 10,000

Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy útil disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

AJUSTE MANUAL DEL BALANCE DE BLANCOS

El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada.

UNA EXPLICACION SENCILLA DE LA TEMPERATURA DEL COLOR

Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro.

Se mide en Kelvin, (El kelvin es la unidad de Temperatura de la escala creada por William Thompson en el año 1848.) según una norma que sitúa en 5.500 K la luz del día teóricamente perfecta.

Para días nublados, la temperatura del color sube (se produce una dominancia del azul) hasta los 12.000 K, mientras que en el interior de una casa con iluminación artificial esa temperatura baja a unos 2.500 K, con una dominancia del rojo.

Espero que estas notas sean de utilidad a la hora de seleccionar el tipo de balance en vuestras cámaras, dependerá obviamente, de las condiciones de luz que predominen en la escena. Suerte

Hasta la Próxima.

EN BUSCA DE LA PERFECCION EN EL RETRATO

Muchos eruditos de la fotografía han dicho que una foto relata una historia: Habla de un momento, una situación, sus emociones, un recuerdo.

Mi vida como fotógrafo profesional se encuentra irremediablemente ligada a las personas, protagonistas - en la mayoría de los casos- de esas historias, copartícipes conmigo de ese momento inolvidable.

Captar una historia a partir de la expresión de un rostro, de una mirada penetrante, una pose coqueta, lo que quieras, me parece uno de los desafíos más apasionantes de la fotografía y ante el cuál no puedo más que sentirme agradecido por poder plasmar para el actor de mi escena, la mas bella de las realidades, jamás me he sentido indefeso con la cámara en mis manos, es más, he sentido siempre la oportunidad de darle algo de manera especial a mi modelo, a la persona que posa frente a mi cámara.

Tal vez es por esto que hoy me animo a escribir este post para conseguir retratos inolvidables. En el voy a dejarles unos consejos básicos que le puedan ayudar a inmortalizar y conseguir sus mejores retratos. Así que al detalle.

Hay varias puntos que debemos de observar para adentrarnos de lleno en el Retrato, los mencionare en orden de importancia para su estudio.

ENFOCA DIRECTAMENTE A LOS OJOS.

Los ojos son el mayor imán para nuestra atención: son un elemento clave en la comunicación y por eso deben tener un papel central en nuestros retratos.

Bien dice por ahi un dicho: LOS OJOS SON EL ESPEJO DEL ALMA.

Salvo que quieras centrarte específicamente en una parte del rostro (por ejemplo, los labios), enfoca a los ojos. Especialmente cuando trabajes con profundidad de campo muy reducida (los números "f" bajos).

Unos ojos penetrantes, bien enfocados suelen causar un efecto impactante.

USA UN FONDO SIMPLE

Si hablamos de retratos, nos suele interesar centrar la atención lo más posible en la persona. Busca que esta contraste lo más posible sobre el fondo. Juega con aperturas reducidas y fondos lo más simples y homogéneos posible. Evita, en la medida de lo posible que haya líneas muy definidas que corten el sujeto de tu retrato en 2 o 3 partes. En definitiva, reduce lo más posible los elementos que puedan distraer de la contemplación de la persona que estás fotografiando.

UBICALO FUERA DE CENTRO

Estoy visualizando la típica foto: una persona fotografiada a medio cuerpo y con la cabeza en el centro geométrico del marco. Estas composiciones raramente funcionan bien. No hay por que obsesionarse con centrar tu retrato en el visor de la cámara. Ubicate en los extremos. No no hay que pasar desapercibida la regla de los tercios y sitúa algún elemento (ojos, labios) en los puntos fuertes de atención del encuadre.
A veces la belleza se esconde en pequeñas imperfecciones o en elementos que no estan pareados.

RECORTA EL ENCUADRE

No es necesario recoger todos y cada uno de los pixeles de la persona que vas a retratar. A veces un encuadre en que ciertos elementos quedan fuera ayudan a centrar la atención sobre los puntos más llamativos de tu retrato. Por ejemplo, encuadres en los que se recorta ligeramente por encima de la mirada suelen funcionar bastante bien porque ayudan a centrar la vista en los ojos.

DE CERCA, MUY CERCA

No lo uses como una ley que siempre has de cumplir. Pero en general, no renuncies a acercarte un poquito más. Ten claro que es lo que tiene que aparecer en tu foto y no metas ni un elemento superfluo más. Si no lo conseguiste en tiempo de disparo, recuerda que luego puedes ayudarte con tu editor favorito a realizar el reencuadre: esta es una técnica que usan incluso los más grandes enemigos del programa para mi favorito para mis manipulaciones digitales: Photoshop

EVITA LA LUZ DIRECTA

La luz molesta, hace que por mucho que lo intentemos tendamos a cerrar los ojos. Y si nos obligamos a abrirlos, forzamos la postura natural del rostro.

Evita las luces directas e intensas. No hay cosa peor que un rostro que tiene demasiados brillos ocasionados por la luz fuerte y direccional, las sombras se vuelven mas pronunciadas y las partes donde la iluminación recae directamente se quema, es decir, las altas luces pierden su información totalmente.

Yo en lo personal prefiero fotografiar con la luz de la mañana, de 7:00 a 9:00 AM, al mediodia guardo mi cámara si se que no dispongo de sombra, la vuelvo a tomar cuando ya la luz es inclinada, tipo de 3:00 a 6:00 PM.

CONSEJOS FINALES:

Dado que la fotografía digital nos pone al alcance la inmediatez de la imagen y la posibilidad de disparar muchas fotos, no te limites, toma muchas fotos, varía cada uno de los puntos mencionados y verás como obtienes fotografías diferentes, máximo si te dedicas como profesional a los retratos.

Hasta la próxima.

ABRIENDO UN ARCHIVO JPEG EN EL MODULO ADOBE CAMERA RAW Y RETOQUE FINAL DE UNA IMAGEN DE MANERA PROFESIONAL

IMAGEN FINAL TOTALMENTE RETOCADA

Hoy quiero explicar de manera precisa una técnica que me parece muy correcta y adecuada paa poder retocar de manera profesional una fotografia realizada en el modo de compresion JPEG, voy a usar el modulo de ADOBE CAMERA RAW para dicho fin. Con esto lo que pretendo es hacer mi retoque de una manera mas profesional y las herramientas de Camera Raw son bastantes intuitivas y poderosas para lograr una imagen mejor que con los medios convencionales que ya conocemos de Photoshop.

Para ello voy a usar una fotografía de Yembly, una linda modelo de Costa Rica a quien tuve el honor de conocer y fotografiar en una sesión con mis alumnos de la Universidad Rafael Landivar.

El color de la tez de esta preciosidad era ideal para la iluminación y el atuendo que vestia, me hizo recordar a una Diosa Griega.

Las fotografías de la sesión estan realizadas con mi cámara favorita, la SAMSUNG PRO 815, estan tomadas en modo matricial o multisegmentos, con el ajuste de blancos a la luz solar, el flash de relleno en -1, en ISO 50 y a 8 megapixeles de resolución en JPEG de calidad extrafina.

Mencione todos estos datos porque a partir de ellos usare de manera más eficaz las herramientas de Camera Raw.

PASO 1

Lo primero que debo de hacer es abrir mi imagen, no de la manera habitual como OPEN sino como OPEN AS o ABRIR COMO.

Aca selecciono la opción ADOBE CAMERA RAW y hago click en Open

PASO 2:

Automáticamente se abre la interfaz de Camera Raw donde haré todos mis ajustes a la imagen.

PASO 3

Para poder tener una mejor visualizacion de los ajustes que voy a realizar amplio la imagen a un tamaño conveniente.

PASO 4:

Aqui es donde empiezo a hacer las correcciones a mi imagen, como podran ver en la foto del paso 3 la imagen esta como se ha capturado en la cámara y las tonalidades son un poco amarillas debido al balance de blancos. Esto es lo primero que haré, ajustar el balance para partir de ahi a todas las demás correcciones. Esta es una parte esencial del proceso y se requiere del ojo educado del fotógrafo en cuanto a su percepción de los colores, la práctica hace al maestro.

Aqui lo primero que hago es tomar el gotero y lo coloco encima de la parte de blanco de la imagen mas clara que tengo, esto me da paso a los demas ajustes.

PASO 5:

Para mi ojo en particular siento que la escena esta cargada de amarillo por lo cual procedo a buscar su equilibrio y en el matiz le agrego un poco de azul, el color complementario del amarillo, pueden ver que la foto de la modelo adquiere uan tonalidad más ajustada a la realidad.

PASO 6:

Ahora voy a incrementar un poco la exposición de la toma, esta fue realizada en un interior con la luz proveniente de una ventana lateral y necesita ser aclarada en su ambiente general.

PASO 7:

En este paso lo que haré es recobrar un poco las altas luces que se han quemado, en especial las del vestido blanco de la modelo, para ello corro el cursor del Recovery hasta donde mi ojo me indique que es lo correcto y ya esta.

PASO 8:

Ahora me voy a rellenar de luz, corro el cursor del Fill ligth hasta donde crea que es correcto rellenar la imagen, no se debe de aclarar demasiado, recordad que esta no es la luz principal, es solamente la que nos ayudara a no dejar demasiadas sombras densas en la imagen, sed cuidadodos con ella, de lo contrario se sobreiluminara la escena.

PASO 9:

Así como he recobrado las altas luces y he rellenado mi imagen, debo también de recordar que la escena debe de presentar ciertos negros que son los que darán el vólumen a la fotografía lo hago de igual manera corriendo el cursor y analizando en la imagen ampliada hasta donde mi ojo me diga que es correcto. Como se podrán dar cuenta, el ojo es lo más importante aca, ya que de él dependerán las correcciones para que se vean reales y correctas.

PASO 10:

Ahora aplico un leve porcentaje de claridad a toda la escena, debe de ser mínima para no estropear los ajustes que ya hemos hecho a la imagen.

PASO 11:

Ahora voy a ir a aplicar una de las herramientas más utilizadas en el retoque de las imágenes y voy a aplicar un poco de nítidez a la toma general, deslizo de manera igual los cursores de la cantidad , el radio y aplico esto a la imagen, es como una máscara de enfoque.

PASO 12:

Ahora puedo ver la foto original haciendo click en el botón de Preview , arriba al lado del Histograma y me puedo dar cuenta de como era y como ha quedado después del retoque digital.

PASO 13:

Ahora que ya tengo corregida la imagen en todos los pasos anteriores me voy al recuadro que dice Open Image.

PASO 14:

Automáticamente me abrira la foto en la Interfaz de Photoshop ya con todos los cambios efectuados.

PASOS DEL RETOQUE FINAL:

Ya que tengo abierta la imagen corregida de la interfaz de Adobe Camera Raw procedo a hacer los retoques de Glamour a la imagen, para ello lo primero que hago es duplicar mi capa, a esta la llamara RETOQUES, en ella haré todas las correcciones que considere necesarias, quitar alguna basurrilla con el tampon de clonar, etc.

PASO 1:

Ya duplicada la capa me voy al menu Image y selecciono APPLY IMAGE, Aplicar Imagen, al dar click en esta opción se abre un cuadro de dialgo donde escojo el modo SCREEN y en este caso le he dado un valor de 25%, esto me aclara un poco la imagen, pero me servira para la aplicación del resto del retoque.

PASO 2:

Después de haber hecho esto voy a duplicar esta capa que he creado y me voy a los ajustes finales, aqui es donde se consigue el aspecto de la imagen glamorosa que esta al inicio del post, en ella lo que hago es seleccionar en el menu FILTER - BLUR- GAUSSIAN - BLUR y le doy un valor de 15 pixeles, como se darán cuenta la imagen se vuelve borrosa, es el efecto del glamour.

PASO 3:

Me voy a los modos de fusión de los layers y selecciono la opción SOFTLIGTH con lo cual la imagen toma un brillo especial y glamoroso.

PASO 4:

Ahora tengo una imagen refinada, linda en todos sus tonos y sus sombras, la podría dejar asi, pero de manera particular me gustan los tonos mas sobrios por lo cual en la misma capa me voy al menu IMAGE y buesco la opcion ADJUSTMENTS - DESATURATE, esto lo que va a hacer es crear una capa de negro sobre la imagen en color de la capa y le bajo la opacidad un poco, en este caso la deje en un 49%, vean el efecto que se logra con ello.

PASO 5:

Por último abro un nuevo layer y en el coloco mi credito, mi nombre para que se sepa quién es el autor intelectual de la fotografía, recomiendo mucho hacerlo, con ello no estamos exentos de que alguien copie nuestras fotos, pero le sera un poco dificil.

Como un factor positivo nos ayuda a crear un estilo de fotografia y que las personas nos identifiquen a traves de él.

PASO 6:

Consiste en guardar la fotografia, yo por lo regular guardo mi archivo PSD o formato de Photoshop, con todos los layers, por si quiero hace alguna corrrección posterior y mi copia final al cliente la entrego en Formato JPEG, guardado en calidad 10 para no ocupar demasiado espacio en mi disco duro.

Bueno espero que este Post sea de mucha utilidad para los amantes de la fotografía, nos vemos en el próximo.

ILUMINACION: LAS TRES POSICIONES BASICAS

LA TECNICA DE LAS POSICIONES BASICAS ES UN METODO BASTANTE UTILIZADO POR LA MAYORIA DE FOTOGRAFOS PARA CREAR UNA BUENA TOMA.

Este es un sistema muy versátil y simple, yo diria que constituye la base de la mayoría de los conocimientos sobre iluminación en fotografía de estudio.

Una vez que se logran entender estos tres puntos de luz se puede decir que el fotógrafo está en camino de una comprensión total del manejo de la iluminación.

La técnica utiliza para ello tres luces; la principal se llama luz clave, principal o modeladora y las siguientes luz de relleno y luz de fondo.

Claro esta, harán falta las tres luces para utilizar plenamente la técnica, pero los principios siguen siendo importantes aun si sólo se utilizan una o dos luces.

Por regla general:

* Si sólo dispones de una luz, esta se convierte en la luz clave o luz principal o modeladora como me gusta llamarla.

* Si tiene 2 luces, una es la luz clave o principal y la otra es la luz de relleno o la luz de fondo (el fotógrafo decidirá esto según la imagen que quiera lograr).


LUZ CLAVE (KEY LIGTH) O LUZ MODELADORA

Normalmente es la más fuerte y tiene más influencia en el aspecto de la escena, ella es la que se encargara de revelar la textura, la de iluminar de manera agraciada un rostro, esta luz se ubica a 45º grados del eje sujeto-cámara.

El motivo por el cual se la coloca en esta posición u otra es según el ángulo que el fotógrafo haya elegido en su composición para que la imagen quede bien iluminada. En la otra parte se podrán observar algunas sombras.

LUZ DE RELLENO (FILL LIGTH) O SECUNDARIA

La luz de relleno suele ser más suave y menos brillante que la luz clave. Para lograr esto, se puede mover esta luz secundaria un poco más lejos o utilizar algunos difusores.

También se puede configurar esta luz para llenar más el lado opuesto a aquel que fue iluminado con la luz clave.

El juego de estas dos luces y las diferentes variables y combinaciones deben ser ajustadas según los resultados que el fotógrafo esté buscando en su imagen.

Se coloca en el lado opuesto de la luz principal y se utiliza para rellenar las sombras creadas por la luz clave o principal, esta luz cabe mencionar que debe estar dos pasos de diafragma por debajo de la luz principal o luz clave, con ello lo que trato de hacer es solamente agregar unos puntos de luz necesarios para aclarar de manera agradable las sombras.

Cuidado de no iluminar de manera igual a la luz principal, por ejemplo: Si la luz principal o clave me genera 500 watts a 2 metros de distancia y tengo otra luz igual para usarla de relleno, esta debere de ubicarla a 4 metros de distancia o mas para establecer que en la distancia esta decrezca para iluminar de manera adecuada las sombras.

Lo ideal en la fotografia de retratos es que se establezca una relacion de 1: 2.

Me explico: la luz principal o clave me da un diafragma de trabajo de "f" 16, entonces debere de establecer que mi luz de relleno me de un diafragma "f" 8 es decir dos pasos, con esto me garantizo el efecto adecuado.





MEDICION DE LA LUZ:

Para ello mido de manera incidental la luz, ubico a mi modelo y coloco la luz clave, por lo regular y dependiendo de la intensidad de la misma la establezco a dos metros de distancia y a 1.80 metros de altura, eso puede variar dependiendo del tamaño del modelo, si esta parada o sentada. El valor que me da el exposimetro en el destello o luz continua es mi base.

Acto seguido apago esa luz principal o clave y enciendo la de relleno, es aqui donde debo de establecer la diferencia de los dos puntos o stops de diafragma para que me de un valor de 2 por debajo de la luz principal.

Con esto me he asegurado de llenar de manera agradable mis sombras producidas por la luz principal.

LUZ DE FONDO (BACKLIGTH)

La luz de fondo se coloca detrás del sujeto y enfrentando las luces principal y secundaria desde la parte trasera.

En lugar de proporcionar una luz directa (como la luz clave y la luz de relleno), su finalidad es provocar una sutil definición alrededor del sujeto fotografiado.

Este efecto ayuda a separar al sujeto del fondo y proporciona un aspecto tridimensional, la idea es que esta tercera luz nos de una especie de borde o halo de luz alrededor del modelo; no debe nunca de verse desde la posición de la cámara por lo que su altura estará regulada por el tamaño fisico del modelo.

DEDICATORIA: A MI MODELO MAS BELLA, MI AMADA ESPOSA, POR TI LOGRE TODO LO QUE HE HECHO EN LA FOTOGRAFIA,SIEMPRE ESTUVISTE DISPUESTA A SER MI MODELO, SE QUE ESTAS BIEN, ESTAS CON DIOS.
SIEMPRE ESTARAS CONMIGO . TE AMO.

EL ESQUEMA BASICO Y SUS POSICIONES

Espero que este post haya sido de utilidad para muchos de los que desean de manera profesional iluminar adecuadamente, recuerden algo, el estudio de la luz lo es todo en la fotografia, su descubrimiento cada dia y su forma de aplicacion dependerá de cuan lejos querramos llegar, el limite es nuestra mente y la imaginación.

En el esquema se pueden apreciar de manera correcta las posiciones que ocupan las luces en este esquema básico de 3 puntos.

Algunas fotos de muestra: