ABRIENDO UN ARCHIVO JPEG EN EL MODULO ADOBE CAMERA RAW Y RETOQUE FINAL DE UNA IMAGEN DE MANERA PROFESIONAL

IMAGEN FINAL TOTALMENTE RETOCADA

Hoy quiero explicar de manera precisa una técnica que me parece muy correcta y adecuada paa poder retocar de manera profesional una fotografia realizada en el modo de compresion JPEG, voy a usar el modulo de ADOBE CAMERA RAW para dicho fin. Con esto lo que pretendo es hacer mi retoque de una manera mas profesional y las herramientas de Camera Raw son bastantes intuitivas y poderosas para lograr una imagen mejor que con los medios convencionales que ya conocemos de Photoshop.

Para ello voy a usar una fotografía de Yembly, una linda modelo de Costa Rica a quien tuve el honor de conocer y fotografiar en una sesión con mis alumnos de la Universidad Rafael Landivar.

El color de la tez de esta preciosidad era ideal para la iluminación y el atuendo que vestia, me hizo recordar a una Diosa Griega.

Las fotografías de la sesión estan realizadas con mi cámara favorita, la SAMSUNG PRO 815, estan tomadas en modo matricial o multisegmentos, con el ajuste de blancos a la luz solar, el flash de relleno en -1, en ISO 50 y a 8 megapixeles de resolución en JPEG de calidad extrafina.

Mencione todos estos datos porque a partir de ellos usare de manera más eficaz las herramientas de Camera Raw.

PASO 1

Lo primero que debo de hacer es abrir mi imagen, no de la manera habitual como OPEN sino como OPEN AS o ABRIR COMO.

Aca selecciono la opción ADOBE CAMERA RAW y hago click en Open

PASO 2:

Automáticamente se abre la interfaz de Camera Raw donde haré todos mis ajustes a la imagen.

PASO 3

Para poder tener una mejor visualizacion de los ajustes que voy a realizar amplio la imagen a un tamaño conveniente.

PASO 4:

Aqui es donde empiezo a hacer las correcciones a mi imagen, como podran ver en la foto del paso 3 la imagen esta como se ha capturado en la cámara y las tonalidades son un poco amarillas debido al balance de blancos. Esto es lo primero que haré, ajustar el balance para partir de ahi a todas las demás correcciones. Esta es una parte esencial del proceso y se requiere del ojo educado del fotógrafo en cuanto a su percepción de los colores, la práctica hace al maestro.

Aqui lo primero que hago es tomar el gotero y lo coloco encima de la parte de blanco de la imagen mas clara que tengo, esto me da paso a los demas ajustes.

PASO 5:

Para mi ojo en particular siento que la escena esta cargada de amarillo por lo cual procedo a buscar su equilibrio y en el matiz le agrego un poco de azul, el color complementario del amarillo, pueden ver que la foto de la modelo adquiere uan tonalidad más ajustada a la realidad.

PASO 6:

Ahora voy a incrementar un poco la exposición de la toma, esta fue realizada en un interior con la luz proveniente de una ventana lateral y necesita ser aclarada en su ambiente general.

PASO 7:

En este paso lo que haré es recobrar un poco las altas luces que se han quemado, en especial las del vestido blanco de la modelo, para ello corro el cursor del Recovery hasta donde mi ojo me indique que es lo correcto y ya esta.

PASO 8:

Ahora me voy a rellenar de luz, corro el cursor del Fill ligth hasta donde crea que es correcto rellenar la imagen, no se debe de aclarar demasiado, recordad que esta no es la luz principal, es solamente la que nos ayudara a no dejar demasiadas sombras densas en la imagen, sed cuidadodos con ella, de lo contrario se sobreiluminara la escena.

PASO 9:

Así como he recobrado las altas luces y he rellenado mi imagen, debo también de recordar que la escena debe de presentar ciertos negros que son los que darán el vólumen a la fotografía lo hago de igual manera corriendo el cursor y analizando en la imagen ampliada hasta donde mi ojo me diga que es correcto. Como se podrán dar cuenta, el ojo es lo más importante aca, ya que de él dependerán las correcciones para que se vean reales y correctas.

PASO 10:

Ahora aplico un leve porcentaje de claridad a toda la escena, debe de ser mínima para no estropear los ajustes que ya hemos hecho a la imagen.

PASO 11:

Ahora voy a ir a aplicar una de las herramientas más utilizadas en el retoque de las imágenes y voy a aplicar un poco de nítidez a la toma general, deslizo de manera igual los cursores de la cantidad , el radio y aplico esto a la imagen, es como una máscara de enfoque.

PASO 12:

Ahora puedo ver la foto original haciendo click en el botón de Preview , arriba al lado del Histograma y me puedo dar cuenta de como era y como ha quedado después del retoque digital.

PASO 13:

Ahora que ya tengo corregida la imagen en todos los pasos anteriores me voy al recuadro que dice Open Image.

PASO 14:

Automáticamente me abrira la foto en la Interfaz de Photoshop ya con todos los cambios efectuados.

PASOS DEL RETOQUE FINAL:

Ya que tengo abierta la imagen corregida de la interfaz de Adobe Camera Raw procedo a hacer los retoques de Glamour a la imagen, para ello lo primero que hago es duplicar mi capa, a esta la llamara RETOQUES, en ella haré todas las correcciones que considere necesarias, quitar alguna basurrilla con el tampon de clonar, etc.

PASO 1:

Ya duplicada la capa me voy al menu Image y selecciono APPLY IMAGE, Aplicar Imagen, al dar click en esta opción se abre un cuadro de dialgo donde escojo el modo SCREEN y en este caso le he dado un valor de 25%, esto me aclara un poco la imagen, pero me servira para la aplicación del resto del retoque.

PASO 2:

Después de haber hecho esto voy a duplicar esta capa que he creado y me voy a los ajustes finales, aqui es donde se consigue el aspecto de la imagen glamorosa que esta al inicio del post, en ella lo que hago es seleccionar en el menu FILTER - BLUR- GAUSSIAN - BLUR y le doy un valor de 15 pixeles, como se darán cuenta la imagen se vuelve borrosa, es el efecto del glamour.

PASO 3:

Me voy a los modos de fusión de los layers y selecciono la opción SOFTLIGTH con lo cual la imagen toma un brillo especial y glamoroso.

PASO 4:

Ahora tengo una imagen refinada, linda en todos sus tonos y sus sombras, la podría dejar asi, pero de manera particular me gustan los tonos mas sobrios por lo cual en la misma capa me voy al menu IMAGE y buesco la opcion ADJUSTMENTS - DESATURATE, esto lo que va a hacer es crear una capa de negro sobre la imagen en color de la capa y le bajo la opacidad un poco, en este caso la deje en un 49%, vean el efecto que se logra con ello.

PASO 5:

Por último abro un nuevo layer y en el coloco mi credito, mi nombre para que se sepa quién es el autor intelectual de la fotografía, recomiendo mucho hacerlo, con ello no estamos exentos de que alguien copie nuestras fotos, pero le sera un poco dificil.

Como un factor positivo nos ayuda a crear un estilo de fotografia y que las personas nos identifiquen a traves de él.

PASO 6:

Consiste en guardar la fotografia, yo por lo regular guardo mi archivo PSD o formato de Photoshop, con todos los layers, por si quiero hace alguna corrrección posterior y mi copia final al cliente la entrego en Formato JPEG, guardado en calidad 10 para no ocupar demasiado espacio en mi disco duro.

Bueno espero que este Post sea de mucha utilidad para los amantes de la fotografía, nos vemos en el próximo.

ILUMINACION: LAS TRES POSICIONES BASICAS

LA TECNICA DE LAS POSICIONES BASICAS ES UN METODO BASTANTE UTILIZADO POR LA MAYORIA DE FOTOGRAFOS PARA CREAR UNA BUENA TOMA.

Este es un sistema muy versátil y simple, yo diria que constituye la base de la mayoría de los conocimientos sobre iluminación en fotografía de estudio.

Una vez que se logran entender estos tres puntos de luz se puede decir que el fotógrafo está en camino de una comprensión total del manejo de la iluminación.

La técnica utiliza para ello tres luces; la principal se llama luz clave, principal o modeladora y las siguientes luz de relleno y luz de fondo.

Claro esta, harán falta las tres luces para utilizar plenamente la técnica, pero los principios siguen siendo importantes aun si sólo se utilizan una o dos luces.

Por regla general:

* Si sólo dispones de una luz, esta se convierte en la luz clave o luz principal o modeladora como me gusta llamarla.

* Si tiene 2 luces, una es la luz clave o principal y la otra es la luz de relleno o la luz de fondo (el fotógrafo decidirá esto según la imagen que quiera lograr).


LUZ CLAVE (KEY LIGTH) O LUZ MODELADORA

Normalmente es la más fuerte y tiene más influencia en el aspecto de la escena, ella es la que se encargara de revelar la textura, la de iluminar de manera agraciada un rostro, esta luz se ubica a 45º grados del eje sujeto-cámara.

El motivo por el cual se la coloca en esta posición u otra es según el ángulo que el fotógrafo haya elegido en su composición para que la imagen quede bien iluminada. En la otra parte se podrán observar algunas sombras.

LUZ DE RELLENO (FILL LIGTH) O SECUNDARIA

La luz de relleno suele ser más suave y menos brillante que la luz clave. Para lograr esto, se puede mover esta luz secundaria un poco más lejos o utilizar algunos difusores.

También se puede configurar esta luz para llenar más el lado opuesto a aquel que fue iluminado con la luz clave.

El juego de estas dos luces y las diferentes variables y combinaciones deben ser ajustadas según los resultados que el fotógrafo esté buscando en su imagen.

Se coloca en el lado opuesto de la luz principal y se utiliza para rellenar las sombras creadas por la luz clave o principal, esta luz cabe mencionar que debe estar dos pasos de diafragma por debajo de la luz principal o luz clave, con ello lo que trato de hacer es solamente agregar unos puntos de luz necesarios para aclarar de manera agradable las sombras.

Cuidado de no iluminar de manera igual a la luz principal, por ejemplo: Si la luz principal o clave me genera 500 watts a 2 metros de distancia y tengo otra luz igual para usarla de relleno, esta debere de ubicarla a 4 metros de distancia o mas para establecer que en la distancia esta decrezca para iluminar de manera adecuada las sombras.

Lo ideal en la fotografia de retratos es que se establezca una relacion de 1: 2.

Me explico: la luz principal o clave me da un diafragma de trabajo de "f" 16, entonces debere de establecer que mi luz de relleno me de un diafragma "f" 8 es decir dos pasos, con esto me garantizo el efecto adecuado.





MEDICION DE LA LUZ:

Para ello mido de manera incidental la luz, ubico a mi modelo y coloco la luz clave, por lo regular y dependiendo de la intensidad de la misma la establezco a dos metros de distancia y a 1.80 metros de altura, eso puede variar dependiendo del tamaño del modelo, si esta parada o sentada. El valor que me da el exposimetro en el destello o luz continua es mi base.

Acto seguido apago esa luz principal o clave y enciendo la de relleno, es aqui donde debo de establecer la diferencia de los dos puntos o stops de diafragma para que me de un valor de 2 por debajo de la luz principal.

Con esto me he asegurado de llenar de manera agradable mis sombras producidas por la luz principal.

LUZ DE FONDO (BACKLIGTH)

La luz de fondo se coloca detrás del sujeto y enfrentando las luces principal y secundaria desde la parte trasera.

En lugar de proporcionar una luz directa (como la luz clave y la luz de relleno), su finalidad es provocar una sutil definición alrededor del sujeto fotografiado.

Este efecto ayuda a separar al sujeto del fondo y proporciona un aspecto tridimensional, la idea es que esta tercera luz nos de una especie de borde o halo de luz alrededor del modelo; no debe nunca de verse desde la posición de la cámara por lo que su altura estará regulada por el tamaño fisico del modelo.

DEDICATORIA: A MI MODELO MAS BELLA, MI AMADA ESPOSA, POR TI LOGRE TODO LO QUE HE HECHO EN LA FOTOGRAFIA,SIEMPRE ESTUVISTE DISPUESTA A SER MI MODELO, SE QUE ESTAS BIEN, ESTAS CON DIOS.
SIEMPRE ESTARAS CONMIGO . TE AMO.

EL ESQUEMA BASICO Y SUS POSICIONES

Espero que este post haya sido de utilidad para muchos de los que desean de manera profesional iluminar adecuadamente, recuerden algo, el estudio de la luz lo es todo en la fotografia, su descubrimiento cada dia y su forma de aplicacion dependerá de cuan lejos querramos llegar, el limite es nuestra mente y la imaginación.

En el esquema se pueden apreciar de manera correcta las posiciones que ocupan las luces en este esquema básico de 3 puntos.

Algunas fotos de muestra:

PROFUNDIDAD DE CAMPO

La profundidad de campo es un término muy utilizado en la fotografía para expresar el rango de distancias reproducidas con una nitidez aceptable en una foto. ¿Sabes cuales son los elementos que determinan una mayor o menor profundidad de campo? Te lo comento en el siguiente artículo.

FACTORES QUE AFECTAN LA PROFUNDIDAD DE CAMPO:

La profundidad de campo va a influir de forma decisiva en la atención a la hora de contemplar una fotografía, ya que inconscientemente dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo están.

Dentro de la fotografía de modelos es una de las principales observaciones a tomar en cuenta para que el fondo no resalte de manera que la persona se vea en segundo plano, debemos de evitar que el fondo compita con nuestro sujeto de atención, primer plano o modelo.

La profundidad de campo obtenida va a depender de varios factores:

LA ABERTURA DE DIAFRAGMA:

La profundidad de campo de nuestra foto será mayor cuanto más cerrado esté el objetivo, o lo que es lo mismo, tenga un número f mayor. Así, una fotografía tomada desde un punto a f16 tendrá mayor profundidad de campo que otra tomada desde el mismo punto con una apertura de f4.

LA DISTANCIA AL MODELO U OBJETO FOTOGRAFIADO

Cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos fotografiando, menor será la profundidad de campo.

Cuanto más lejos nos encontremos del objeto a fotografiar, la profundidad de campo será mayor. Esto significa que si, con una misma abertura del diafragma, hacemos una fotografía a un objeto que tengamos cerca nuestro, la profundidad de campo será menor que si hacemos una foto con esa misma abertura a algo que se encuentre más alejado.

LA DISTANCIA FOCAL:

Cuanto menor es la distancia focal de nuestro objetivo (o la que tengamos seleccionada en un momento dado, si es un objetivo zoom de focal variable), mayor será la profundidad de campo obtenida.

Por daros un ejemplo: Los lentes gran angulares vienen diseñados de fabrica para darnos la mayor profundidad de campo, es decir, la mayor nitidez en el fondo y es que han sido creados para ser apuntados al infinito, en la toma de paisajes resultan mucho más favorecedores al dejarnos perfectamente enfocados todos los planos del mismo,asi sea en un "f" 16 o un "f" 2.8

Cuando cambiamos la longitud focal a una más grande, por ejemplo un 300mm. o más la profundidad de campo se limita y los objetos del fondo se aprecian de manera mas borrosa, en mi caso, este es el lente ideal para la fotografia de retratos y primerisimos planos de modelos.

De ahora en adelante toma en cuenta que la profundidad de campo es un factor decisivo a la hora de hacer tus fotografías, no solo aplica para la fotografía de modelos, esta presente en casi todas las áreas de la misma como una solución cuando deseas destacar un primer plano sin que pierda su atención por el fondo. Hasta la próxima.

SAMSUNG PRO 815 , MI CAMARA FAVORITA

Hoy quiero escribir un poco acerca de esta belleza de máquina, firmada por Samsung, las fotografias de este Blog asi como las de mi galeria personal estan realizadas con esta maravillosa y potente cámara.

Si bien es cierto su lanzamiento fue en el 2005 esta maravilla me sigue prodigando las mejores fotografias que jamás me imagine hacer. Cabe mencionar que soy usuario de Canon 100% desde hace muchisimos años, pero lo que he logrado con la versatilidad de esta joya esta muy a la altura de la marca mencionada anteriormente, de hecho, es casi mi cámara de batalla, su versatilidad me permite acceder a cualquier tema fotográfico con la confianza que sentiria de manejar una reflex profesional.

Dentro de los atributos de esta gran máquina cabe mencionar su poderoso objetivo:

La cámara Pro815 está equipada con un zoom óptico de 15x con una distancia focal de 28 ‐ 420mm (equivalente a 35 mm), lo que significa que puede disparar desde gran angular a teleobjetivo con una lente.

Imaginense lo rico que se siente pasar de una focal angular a un zoom de tamaño grande, esto implica no solo tiempo, vital para la composición de la imagen, sino un ahorro de plata significativo. Para aquellos que desean todo un rango de distancias focales comprarlas por aparte se vuelve a veces imposible.

La cámara PRO 815 tiene cuatro lentes de cristal de baja dispersión específicamente fabricadas para minimizar la aberración cromática que puede ocurrir cuando se admite el gran angular y el zoom óptimo a la vez. Además, utiliza dos lentes asféricas para la corrección de la aberración esférica y colores laterales para toda la gama de zooms desde gran angular a teleobjetivo.

Esta famosa lente firmada por la tradiciónal y legendaria Schneider‐KREUZNACH ofrece fiabilidad sorprendente. Esta lente combinada con el CCD de gran sensibilidad significa que la PRO 815 ofrece la mejor calidad de imagen posible en su clase.

Otra característica de la cámara PRO 815 es que tiene la mayor LCD TFT de 3,5" del mundo utilizada en una cámara digital. Las cámaras SLR u óptimas convencionales utilizan una LCD relativamente pequeña de 1,8 ‐ 2,0" y la pantalla no muestra el disparo en el momento de sacar la foto para SLR. Con Pro815, cualquiera puede sacar una foto fácilmente y ver imágenes mediante su gran LCD, que también es una gran ventaja para realizar una composición mejor.

Mediante el uso de la tecnología Transmissive with Micro Reflective (TMR), puede verse en elexterior con mucha luz. Esto, junto con los 16.700 colores que admite significa que puede compartir sus imágenes con otra gente porque el ángulo de visión es amplio y los colores se reproducen bien. También dispone de un visor electrónico.

Otra gran característica de la cámara PRO 815 es el disparo al nivel de cintura, gracias a su LCD superior. La LCD TFT a color de 1,44"± de ancho de Digimax PRO 815 muestra una pantalla de vista previa en tiempo real, lo que permite el estilo de disparo al nivel de la cintura que realizan a menudo los fotógrafos profesionales. Esta posición de la LCD permite disparos de alto nivel y sacar fotos desde varios ángulos. La LCD también puede utilizarse como LCD de estado para mostrar datos de disparo. Como la información necesaria está disponible en la LCD en todo momento, puede disparar a un sujeto o elegir la función que desee con mayor rapidez

La PRO 815 ofrece características de fotografía manual generales que satisfarán todas las necesidades de los aspirantes a fotógrafos. Las funciones de exposición manual (apertura / obturador / manual) y el control de enfoque manual se incluyen como estándar.

Tres anillos que rodean el zoom manual de control del objetivo, el enfoque manual y la compensación EV permiten el control directo de las operaciones manuales. El sistema de dial de modos, que se utiliza para controlar la velocidad de apertura y del obturador, también ofrece precisión en el funcionamiento manual.

La cámara tiene varios modos de enfoque como Bloqueo AF, AF continuo y Zona selección AF. Su función de enfoque manual directo permite cambiar al enfoque manual desde AF al instante al girar el anillo de enfoque manual. Además, el disparo agrupado se permite para la exposición, enfoque y equilibrio de blancos. En particular, el equilibrio de blancos está disponible en los modos Preselección, Personalizado y Ajuste de temperatura del color.

Esto permite expresar los colores tal y como desee. El contraste y la saturación también pueden controlarse para la expresión creativa en la profundidad del color que desee. La cámara admite el espacio de color Adobe RGB también como un archivo RAW no comprimido de 8 MP, lo que le convierte en la elección ideal para la producción de imágenes entusiastas.

Como podran darse cuenta por lo mencionado, la maquina en si es una verdadera maravilla, estoy contento y satisfecho con el resultado que me ha brindado desde la fecha de su lanzamiento hasta el dia de hoy.

Cabe mencionar que SAMSUNG ha entrado al mercado de las cámaras digitales con esta maravilla y hoy ya se maneja un sistema reflex de lentes intercambiables, si funcionan como esta maravilla las demas marcas tendrán algo por que preocuparse.

Hasta el próximo post.

LOS MODOS AUTOMATICOS EN LA FOTOGRAFIA

Para la mayoría de las personas hoy en día es tan sencillo captar imágenes en el modo automático de la cámara que se olvidan muchas veces que hay otras funciones dentro de las mismas que nos pueden dar muchas más opciones, bueno, es lógico suponer que es más cómodo porque en algún momento hay un desconocimiento de que son las otras siglas que aparecen en el dial de una cámara digital, para todas esas personas quiero dedicar este articulo de manera especial haciendo una reseña de que es cada uno de ellos y de cómo poder sacarle un mayor provecho a su equipo.

Como ya sabrán, cualquier cámara digital, desde las compactas más básicas hasta las réflex profesionales traen múltiples opciones para facilitarnos la tarea de tomar fotografías en un sinfín de situaciones distintas.

En principio cabe pensar que el modo más utilizado es sin duda el automático. Es lógico.

De hecho la persona que quizá nos ha vendido la cámara es el primer consejo que nos ha dado: “Sitúa en el dial de la cámara dónde está el icono de la camarita verde y listo" , lo ponemos en AUTO y a disparar. Nos olvidamos de la cámara y únicamente tenemos que preocuparnos de encuadrar y listo. Aunque es cierto que en la mayoría de las ocasiones nos salvará el momento y logrará una imagen medianamente aceptable, existen otras buenas opciones: el programado automático (P), prioridad a la abertura (A) o prioridad a la velocidad del obturador (S), pueden mejorar ciertas tomas en distintas condiciones. Y realmente son útiles, al igual, por supuesto que el modo manual (M), donde tenemos un control total del disparo.

Ahora entramos de lleno al detalle de cada uno de los modos de la cámara:

MODO “P” O PROGRAMADO AUTOMATICO

Cuando situamos la cámara en este modo lo que hacemos realmente es permitir que la cámara seleccione la mejor combinación de abertura y velocidad para la escena que se presenta ante nosotros. Aquí quiero detenerme un momento y explicar que todas las cámaras, tanto las análogas, que aun se utilizan, como las digitales tienen dentro de un procesador una programación con miles de ejemplos tipo de muchas escenas probables, luces fuertes, sombras, contraluces, etc. Lo que pasa cuando apuntamos nuestra cámara hacia una escena es lo que la máquina hace por nosotros, evalúa en milésimas de segundo toda la información dentro de ella y nos da el mejor valor de exposición para esa toma en sí.

Ahora bien, en el modo programa podemos varias algunas veces y en algunos modelos de cámaras la velocidad del disparo y la abertura del diafragma, (ver artículos en el Blog referente a los temas mencionados) según el efecto que deseemos conseguir en la fotografía.

Para mí en lo personal es uno de los modos de exposición que más libertad me dan de poder concentrarme en la composición de la escena y si tengo que cambiar algún dato solamente giro el dial y ya está.

MODO “A” O PRIORIDAD DE ABERTURA

Este modo lo seleccionamos siempre que deseemos que nuestra profundidad de campo sea perfecta, es decir que podemos seleccionar un valor de abertura, “f” 16, por ejemplo, si deseamos conseguir la mayor nitidez del sujeto y su fondo.

La variante o incógnita de la velocidad la cámara la ajustara ella misma, en este caso y dependiendo de la iluminación del ambiente lo mas intuitivo seria pensar que la cámara bajara su velocidad de obturación para compensar de alguna manera un diafragma cerrado, idealmente si se está en un interior grande donde se desea toda la nitidez del mismo y con la luz ambiente lo más sensato sería seleccionar la abertura más pequeña, pero supone también la utilización de un trípode para evitar el movimiento de la toma. Esto lo podemos hacer tanto en interior como exterior para lograr el màximo detalle.

MODO “S” O PRIORIDAD DE OBTURACION

Este modo lo seleccionamos cuando nuestra prioridad es la velocidad, cuando deseamos congelar algún movimiento de cualquier objeto que se desplaza a alta velocidad lo ideal es situar en la cámara por arriba de los 1/250 de seg.

Con esto lo que estamos programando en la cámara es que la respuesta a la escena obviamente sea la velocidad, la cámara ajustara el mejor valor de abertura, que en este caso por compensación seria un diafragma más abierto pero se pierde un poco la nitidez del fondo, (profundidad de campo) pero a su vez nos ayuda a que el objeto en mención quede resaltado perfectamente enfocado sobre un fondo totalmente desenfocado que no compite en atención con el primero.

MODO “M” O MODO MANUAL

Este modo lo recomiendo para los profesionales ya que conlleva en el mismo una mayor concentración y también en tiempo ubicar el valor exacto de exposición entre la abertura y la velocidad de manera personalizada, es sumamente útil para los que nos dedicamos a hacer fotografía a nivel profesional, ya que nos permite a nosotros el control total sobre la toma. Si bien es cierto, el tiempo que se consume en ello es a veces tedioso por cada toma que hacemos.

No lo recomiendo en casos donde la acción se desarrolla de manera consecutiva y rápida, como por ejemplo en una boda, una carrera de autos o donde los eventos se suceden de manera imprevista. Es ideal cuando se trabaja un bodegón o still life, porque los objetos permanecen estáticos frente a nosotros.

Dentro del dial de algunas cámaras a veces encontramos el icono de un tulipán, este es el modo macro, quiere decir que la cámara ajusta la distancia focal de la lente para hacer un primer plano de algún objeto muy pequeño reproduciéndolo a un tamaño mayor para ser mejor observado, por lo regular nos vemos aproximándonos a una escena a tan solo centímetros, pero vale la pena mencionar que la variable A y V siempre las dará de manera programada. En las cámaras análogas no automáticas , (son un bello recuerdo) podíamos ejercer el control manual de la abertura y la velocidad de manera que solamente colocando alguna lentilla de aumento o con un lente macro podíamos acercarnos a los objetos, Ah dorados tiempos.

MODOS PREFIJADOS O MODOS SCN (ESCENA)

Aquí hay mucho que hablar, cada uno de ellos está diseñado para una función en específico, los más comunes dentro de la mayoría de las cámaras son el modo Retrato, el modo paisaje, el modo nocturno y el modo velocidad. La verdad es que cada uno de ellos responde a las premisas de la siguiente ecuación:

A/V = E

Despejando la formula: A es abertura de diafragma, V es velocidad y E es exposición.

Y por más que veamos muchísimos modos dentro de la cámara, la fotografía responde solamente a estas dos variantes, el control de A y V es lo que produce las fotografías que hacemos, sean estas malas o buenas, siempre la combinación de ambas nos dará por resultado E.

Ahora, después de esta lectura, quizá sea más fácil para todos seleccionar los diferentes modos de exposición que nos da la cámara dependiendo del tipo de escena o motivo que deseen tomar. Hasta la próxima.